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La representacion de los pies en el arte moderno y contemporaneo: su valor iconografico, simbolico y compositivo.

Feet representation in modern and contemporary art: their iconographic, symbolic and compositive value

INTRODUCCION

"Que pequena eres brizna de hierba. Si, pero tengo toda la Tierra a mis pies". (Rabindranath Tagore).

"Crea la naturaleza en raros casos seres humanos dotados de tal manera en su cuerpo y en su espiritu, que puede advertirse la mano de Dios al concederles sus mejores dones en gracia, genio y hermosura ... y hagan lo que hicieren muestran su superioridad sobre los demas hombres (1) ...".

Quien asi escribia era Vasari en sus Vite ... refiriendose a uno de los grandes del Renacimiento: Leonardo da Vinci. El polifacetico artista nacido en Vinci en 1452 tuvo toda su vida un ansia de conocimiento y experimentacion que le llevo en un momento dado a probar con los estudios de anatomia. Examinaba el cuerpo humano a fondo y exploro todos sus secretos a traves de su diseccion. Para el, arte y ciencia eran la misma cosa y la pintura la unica manera de reproducir lo que veia en la naturaleza.

No es el unico artista del Renacimiento interesado en las ciencias y el cuerpo humano, de hecho a partir del ultimo tercio del siglo XV se impone la ensenanza de Anatomia como disciplina obligatoria para los pintores y escultores.

Partiendo de esa premisa nace este estudio que intentara aunar arte y ciencia. Si bien la fascinacion que ejercen en el hombre las obras de arte parece venir de la belleza que destilan todas ellas bien sean pinturas, esculturas, joyas, edificios ... y ese es realmente el fin del arte y el artista (crear y admirar cosas sobresalientes y hermosas), a la hora de leer un cuadro o una estatua son muchos los elementos que las componen imprescindibles para su perfecta comprension. Este texto nace asi de la necesidad de plantear una cuestion que pocas veces se tiene en cuenta al admirar las manifestaciones artisticas que surgen desde el sigo XV al XX, el valor compositivo, iconografico o simbolico de los pies en las obras de arte.

Algo tan esencial en el cuerpo humano como los pies pasan desapercibidos muchas veces para los estudiosos o aficionados al Arte, ya que parecen mas atrayentes otros aspectos como la gesticulacion a traves de las manos o la expresion de los rostros, del poder de una mirada o una sonrisa.

En multitud de obras de arte las manos tienen un papel protagonista, es facil recordar El Juramento de los Horacios pintada por el frances David en 1785. Relata el momento del juramento de los hermanos antes de partir para salvar a su patria. David dispone a las figuras en dos grupos, el masculino y el femenino, y en ellos la expresion corporal es basica para entender el tema patriotico de fondo. Las manos unidas de los hombres, simbolizan la fidelidad y a la vez el destino de los hijos puestos en manos del padre.

De igual forma, anos antes Caravaggio (1573-1610) nos dio una leccion del valor iconografico de las manos en La vocacion de San Mateo, a traves de las dos manos que emergen de la oscuridad, la de Cristo senalando al elegido para seguirle y la de Mateo ante la sorpresa de ser el a quien llaman. Con ese simple gesto entendemos perfectamente la tematica de la pieza. Otras veces sera la mirada o la sonrisa la que tiene un papel fundamental en la composicion, ?que mas se puede decir que no se haya comentado de la sonrisa de la Gioconda, por ejemplo ...?.

Pero, ?y los pies? ?no son acaso indispensables en el cuerpo humano y no describen el movimiento o estatismo en las figuras representadas?. Se quiera o no hay que dar su justo valor al pie, una de las partes mas importantes del cuerpo sobre todo por su funcion de sosten y por permitir al hombre el don del movimiento, gracias a los pies saltamos, bailamos, corremos......

No se trata aqui de hacer un estudio anatomico del pie, ni de examinar si son correctas o no las proporciones de los mismos, sino su valor alegorico, metaforico o simbolico en las obras de arte mas adelante analizadas, procurando hacer el texto ameno por lo que se recurre a imagenes por todos conocidas. Pero, al intento de sintetizar se anade la triste tarea de eliminar, fue necesario limitar el numero de obras analizadas asi como el espacio cronologico que va desde los inicios del Renacimiento (siglo XV), a la llegada del XX.

A MODO DE EJEMPLOS

Desde la Antiguedad, el arte nos lego imagenes en las que se aprecia el especial cuidado e interes a esa parte de la anatomia humana. No hay mas que observar la Diosa de la Victoria - del templo de la Victoria en Atenas- hoy sin cabeza ni manos, captando el instante en que se detiene a abrochar una de sus sandalias. Al llevar la mano de la diosa al calzado su autor se recrea en el tratamiento de los panos y en la forma de representar el movimiento consiguiendo en un gesto tan insignificante una de las mas bellas representaciones de la escultura antigua. Llegado el siglo XV la dedicacion e interes dedicado a los pies se multiplica en la pintura y escultura.

Como se suele decir, una imagen vale mas que mil palabras, y siempre la mejor manera de entender las cosas es a traves de ejemplos concretos, por eso lo ideal es hacer un breve recorrido por algunas de las obras de arte mas conocidas de la historia moderna y contemporanea donde el pie tiene un valor fundamental para su composicion o para entender su iconografia. Para una mas facil comprension se agruparon por tematica religiosa o civil y siguiendo un orden cronologico.

Arte Sacro:

Ya en la Sagrada Biblia se dedica cierto interes a los pies. Acercandonos al Cantar de los Cantares, en mas de un versiculo se menciona esa parte de la anatomia humana : Ya me he quitado la tunica ?como volver a vestirme?. Ya me he lavado los pies. ?Como volver a ensuciarlos? (2) ... De igual forma se alude a ellos en el Apocalipsis: ... porque ha llegado el dia grande de su ira, y ?quien podra tenerse en pie? (3). Son asi un elemento a tener en cuenta en las representaciones artisticas de todos los tiempos con tematica sagrada.

En las ciudades italianas el arte pictorico experimenta un considerable impulso llegado el siglo XV. Es la epoca del Renacimiento, el numero de artistas y la evolucion constante es tal, que resulta muy dificil reducirlo a unas cuantas lineas.

Las raices de la revolucion renacentista estan en Masaccio (1401-1428) autor que a pesar de su corta vida nos dejo una gran obra llena de avances y novedades. El conjunto pictorico que lo encumbro fue la decoracion de la Capilla Brancacci, conjunto monumental de frescos de tema biblico.

Una de las escenas mas celebres es la Expulsion del Paraiso. Adan y Eva estan siendo expulsados por el angel del Eden. El tema tan repetido en la pintura occidental tiene aqui ciertas novedades y simbologias. El paisaje y el cielo sirven de fondo como meros atributos ya que todo aqui se supedita a Adan y su companera que por primera vez en el arte son responsables de sus actos, desde la verguenza que sienten por su desnudez (ambos se tapan con las manos avergonzados), a la deformacion: Masaccio recurre a esta tecnica con destreza para hacer mas verosimil lo que ve el espectador.

Asi las caras son casi mascaras grotescas que expresan dolor ante el pecado cometido y llama la atencion la pierna y pie de Adan que se resiste a abandonar el Paraiso y al que le cuesta salir por la enigmatica puerta. Masaccio los deforma exagerada y simbolicamente como alusion a la resignacion del hombre ante el error cometido y su condena a salir forzosamente del jardin del Eden.

Piero della Francesca (Ca. 1410-1492) hacia 1440 pinta el Bautismo de Cristo. La obra se caracteriza por el dominio de una intensa luz y la atemporalidad de los personajes de un estatismo derivado de su reduccion a formas geometricas. El estilo sereno de Piero se refleja igualmente en las aguas mansas que quedan justo detras de Cristo y San Juan, que apoyan sus pies en tierra firme. Esta es la forma que tiene Piero de vincular a Cristo al mundo terrenal.

Por comparacion, anos despues -hacia 1475- Andrea Verrochio hace una nueva version del Bautismo de Cristo (fig.1). La que se considera primera intervencion de Leonardo da Vinci en la pintura fue su aportacion a esta pieza. Se le atribuye la elaboracion del angel del angulo inferior izquierdo asi como el paisaje de fondo. No es esto lo unico interesante en la pieza, habria que hablar igualmente de la composicion, de las caracteristicas estilisticas de Verrochio, del estudio anatomico de las figuras -rasgo tipico del ultimo tercio del XV ...-, y, de la representacion de los pies de Jesus y San Juan Bautista sumergidos en el momento de ser bautizado el Senor.

Los pies de ambos se introducen bajo el agua que con su nitidez permite que se vean y se apoyan en el fondo. Asi represento Verrochio a Jesus hecho hombre recibiendo el Sacramento fiel al relato biblico: Bautizado Jesus, salio luego del agua y he aqui que se abrieron los cielos y vio al Espiritu Santo descender como paloma y venir sobre el ... (Mateo 3, 16-17).

Cristo se apoya en ambas pinturas en el fondo pues la tierra es considerada como el suelo para los pies de Dios. De igual manera, la posicion vertical del pie izquierdo del Bautista en el oleo de Verrochio nos acerca a la idea de la equivalencia entre la verticalidad y la vida espiritual.

[FIGURA 1 OMITIR]

Mas revolucionario sera el arte de Andrea Mantegna (1431-1506). En su Cristo escorzado las plantas de los pies son lo primero que ve el espectador. El artista consigue asi colocarnos como espectadores activos que participamos de esa muerte. Quien admire el cuadro pasa a formar parte de esa minuscula habitacion donde yace el cadaver que Mantegna muestra con una crudeza y realismo llevados al maximo, desde el color macilento a los pies destrozados por los clavos que sirven de prologo o introduccion al episodio biblico de la Pasion y Muerte de Jesus, a traves de ellos el autor nos cuenta como fue esa muerte y son simbolo del dolor.

Uno de los talleres mas afamados del ultimo tercio del siglo XV sera el de los Pollaiuolo. Uno de sus componentes, Antonio, (1429-1498) hizo en su Martirio de San Sebastian4 fechado hacia 1475 un cuadro armonico y correcto en el dibujo, con un tema habitual en el arte cristiano, el martirio del santo que aparece atado a un arbol rodeado de seis verdugos. Da la sensacion al mirarlo que se muestra pasivo, como ajeno a la actividad que hay debajo de el en el grupo que lo esta asaetando.

Los verdugos forman un esquema muy equilibrado en forma de triangulo agudo. Es aqui donde los pies tienen una funcion compositiva esencial pues los seis pares de pies de los asesinos forman la base de una piramide que tiene logicamente como vertice superior la cabeza del santo. Todo en la composicion queda determinado por esta piramide humana en rotacion (5). Pero la colocacion podria constituir un problema y convertir la pieza en algo demasiado rigido y estatico, sin embargo Pollaiuolo muy sabiamente coloco a cada esbirro con una posicion diferente suavizando asi la rigidez de la composicion con un gran dominio del cuerpo humano y su anatomia estudiando a fondo cada musculo o tendon en movimiento haciendo un estudio psicologico de cada personaje a traves de los cuerpos.

Giorgione (1476/78-1510) fue un artista que en pocos anos cambio el rumbo de la pintura veneciana asumiendo un papel en Venecia similar al de Leonardo en la Italia central. Todo en su vida y obra es un misterio, no se sabe ciertamente su fecha de nacimiento, ni la enfermedad que lo llevo a la muerte, se cree que su formacion la obtuvo en el taller de Bellini pero no es del todo seguro ... y, desgraciadamente, su obra es mas misteriosa todavia. A falta de documentacion suficiente fueron muchas las obras a el atribuidas pero hay estudiosos que apenas le conceden media docena y a esto se une un problema anadido: es dificil comprender en ocasiones que tema esta representado.

De las obras que se le asignan esta la Judit que representa a la mujer del Antiguo Testamento pisando la cabeza de Holofernes. Fiel al texto biblico, relata la matanza y entrega de la cabeza del general asirio, " Ahi teneis la cabeza de Holofernes, el general en jefe del ejercito asirio y ahi el dosel bajo el que yacia su embriaguez aquel a quien el Senor hirio por la mano de una mujer (6)".

Judit exhibe en la pintura de Giorgione a Holofernes de una manera singular, siguiendo los modelos de los Davides con los despojos de su enemigo a los pies -iconografia que impusieron en el siglo XV Donatello y Verrochio con sus figuras preadolescentes pisando al gigante-dejando para ello la pierna y pie izquierdos de la mujer desnudos a modo de flecha que senala la cabeza del traidor muerto.

En 1508 Rafael llego a Roma con un encargo: decorar las cuatro estancias privadas del Papa Julio II: Las salas del Incendio del Borgo, de la Signatura, de Heliodoro y de Constantino. Iniciara el trabajo con la decoracion de la Estancia de la Signatura, llamada asi porque ahi se reunia el Tribunal de la Signatura Gratiae, presidido por el Papa que era la maxima autoridad en Derecho canonico y civil. Los temas representados en esta habitacion serian la Filosofia, la Teologia, la Poesia y el Derecho.

Para ilustrar en ella la Filosofia eligio como tema la Escuela de Atenas que escenifica la verdad razonada. Todas las lineas de fuga de la composicion convergen en dos personajes que ocupan el centro del edificio pintado: Platon y Aristoteles cuyos pies caminan simbolicamente hacia el conocimiento.

Junto a los pies son simbolicos los dos libros que llevan en sus manos, Platon porta el Timeo mientras levanta el dedo indice de la mano derecha al cielo como representante de la Filosofia Moral y Aristoteles en una mano lleva la Etica, y tiende hacia delante la mano derecha pues el representante de la Filosofia Natural.

La escalinata que tienen bajo sus pies sirve como organizadora de los personajes que completan la obra, seguidores de una y otra filosofia.

La estancia del Incendio del Borgo es la tercera que Rafael decora. El programa pintado es una exaltacion del nombre del Papa, y en ella es sobre todo interesante la primera escena: El Incendio del Borgo. En ella se narra un suceso real acaecido en el ano 847, cuando el pontifice intercede para apagar un incendio en el barrio del Borgo. Un aparente desorden domina en la composicion, el efecto que produce a primera vista es de pavor en las gentes por el fuego del que intentan huir, de ahi que los pies son parte fundamental ya que encarnan el movimiento, nadie aparece quieto salvo el Papa y su sequito que tranquilamente desde el balcon del fondo bendice a la multitud. La mujer arrodillada y de espaldas que muestra las plantas de los pies al espectador implora al Papa que los salve, interpretando de manera alegorica a todos los habitantes y a la fe en el poder de Dios a traves del Pontifice.

Durante la segunda mitad del siglo XVI el manierismo veneciano tiene sus figuras destacadas, de las que cabe mencionar a Jacopo Robusti, el Tintoretto (1517/19-1594). En una de sus obras mas populares y emblematicas, El lavatorio, los pies son un elemento sin el que no podria existir dicha pintura. Tintoretto elige el momento en que Cristo lava los pies a sus apostoles. Lo curioso es su manera de presentarlo, en un formato apaisado sobre el que dispone a ambos lados del lienzo dos grupos de figuras- Cristo lavando los pies de un apostol a la derecha y otros dos apostoles preparandose para hacer lo mismo a la izquierda-, jugando sobre todo con la perspectiva y el contraste entre luces y sombras a traves de una composicion distorsionada pero muy realista que conmueve al espectador. El pavimento con hiladas de baldosas hexagonales consigue el efecto de profundidad y perspectiva deseados.

El mismo autor en 1557 realiza Susana en el bano, lienzo a medio camino entre tematica religiosa y profana. Es una de las obras que mejor definen la forma de pintar el tema religioso y mitologico en el manierismo, con el arquetipo de mujer de la epoca que se muestra banandose mientras es espiada por los dos viejos. Para Tintoretto esta mujer y las diosas mitologicas mantienen la misma tipologia si bien Susana no es un mito, con la accion de secarse con la toalla el pie derecho nos conduce a un momento mucho mas intimo, el de la higiene de la joven que pudorosamente se asea ajena a los dos hombres que la vigilan siguiendo el episodio del Antiguo Testamento: " ... Un dia, mientras ellos estaban aguardando la ocasion oportuna, entro Susana, como de costumbre, acompanada solamente por dos criadas jovenes y quiso banarse en el jardin, porque hacia mucho calor. No habia ali nadie mas que los dos viejos, que estaban escondidos observando (7)....".

Llegados al Barroco uno de su maximos exponentes, Caravaggio (1573-1610) apuesta por lo prosaico incluso en la tematica religiosa. Siempre se le considero el pintor de lo feo o de lo innoble y sera quien acuna el uso de la luz tenebrista. Llegados aqui es necesario aclarar que por "tenebrismo" se conoce a los fuertes contrastes de luz que crean profundas sombras dejando iluminados unicamente los elementos esenciales de la composicion. Por la fuerte contraposicion entre luces y sombras da la sensacion de que las figuras emergen de la oscuridad recortandose nitidamente sobre ella.

En la Crucifixion de San Pedro (fig.2) crea una composicion tipicamente barroca a base de diagonales con la que relata el martirio del santo. Caravaggio se queda con lo esencial: el santo, la cruz, los dos hombres que la alzan y el que cava el agujero para clavar la cruz en el suelo.

[FIGURA 2 OMITIR]

En el oleo se aprecia plenamente el tenebrismo y como acepta lo popular de tal forma que el santo es un viejo pescador y los verdugos tipos vulgares llegando a tal punto que cuando se vea el cuadro en la pared de una iglesia en primer plano veremos las plantas sucias de los pies de uno de los esbirros.

El pintor del neoclasicismo gallego Gregorio Ferro pinta en 1775-78 el oleo que representa a Santa Catalina de Alejandria. Opta por representar a la santa patrona de la Filosofia de acuerdo con la iconografia tradicional .Viste tunica y manto de doncella romana y la distingue la rueda con puas donde sufre el martirio, la palma de la virginidad y de los martires y una espada. Mientras, con su pie izquierdo, pisa la cabeza de Majencio a quien vencio con su sabiduria y constancia (fig.3).

Un claroscuro todavia vinculante al Barroco convive con las nuevas normas del clasicismo naciente.

[FIGURA 3 OMITIR]

Y quedaria mencionar la multitud de representaciones de Maria bajo la advocacion de la Inmaculada Concepcion describen a la mujer del Apocalipsis "... una mujer revestida en el sol, y la luna debajo de sus pies, y sobre su cabeza una corona de doce estrellas ..." (Apocalipsis 12,1). Su iconografia trata de interpretar esta vision apocaliptica mostrando a Maria elevandose sobre un trono de nubes o un hemisferio con una media luna bajo sus pies. Viste tunica clara y un manto azul estrellado con una corona de estrellas rodeando su cabeza.

En Galicia sus imagenes se pueden agrupar en diversas tipologias:

La primera, responde al modelo andaluz con Maria de pie sobre la media luna, cubierta con gruesas telas que se cinen a las piernas. Son siempre figuras adolescentes que unen las manos sobre el pecho con el manto terciado que cubre la parte baja de la falda repitiendo el tipo iconografico que sigue Francisco de Moure en piezas como la Inmaculada de Samos.

La segunda, sigue el tipo creado por Gregorio Fernandez, difundido en Galicia por Mateo de Prado con Maria que se alza hieratica sobre un trono de nubes. Une sus las manos sobre el pecho, con la melena que cae simetricamente distribuida sobre ambos hombros al igual que el manto.

La tercera deriva del tipo creado por Gambino tomando como modelo la imagen de la Concepcion del relieve del retablo que preside el coro alto de la iglesia de San Martin Pinario en Santiago.

La cuarta, sigue el modelo que da la imagen de la Inmaculada Concepcion de la iglesia compostelana de Santa Maria del Camino realizada por Manuel de Prado, representando a Maria con una actitud recogida con las manos sobre el pecho, dos cabezas de angeles que se asoman dispuestas mirando hacia ella y el manto que se arremolina tras terciarse.

Y la quinta, la de las imagenes de los ultimos tercios del XIX y XX que normalmente tratan de copiar el modelo de las Purisimas de Murillo.

La mas interesante de las tipologias para el tema que estamos tratando es la cuarta tipologia, la creada y difundida por Manuel de Prado pues Maria aparece en recogida actitud, elevandose sobre un hemisferio con la luna y la serpiente (simbolo de lo maligno) bajo sus pies.

Anos despues, en 1849, el compostelano Jose Jacobo Linares tallo una replica de la imagen para la iglesia parroquial de San Andres de Illobre (Vedra). Ambas mantienen el canon estilizado de la estatuaria del XIX en Galicia, el rostro clasico y sereno y ropajes con pliegues que se cinen al cuerpo permitiendo apreciar la anatomia.

Arte profano:

Andrea del Castagno (1423-1457) rinde homenaje a seis de los personajes de la historia toscana mas ilustres. Son hombres y mujeres ilustres de la historia florentina, entre ellos Dante, Petrarca, Pippo Espano, Farinata degli Uberti ... Pintados hacia 1448 en la serie de retratos de la Galeria de los hombres y mujeres famosos.

Todos son retratados de cuerpo entero unidos entre si unicamente con las miradas y separados por las pilastras de los falsos vanos que ocupan. Castagno entiende la figura como proyeccion del espacio real y para la representacion opta por la abolicion de la ley del marco, un recurso ilusionista en el que los pies y manos de cada uno de los hombres y mujeres sirven a Castagno para dar sensacion de perspectiva y movimiento. Las figuras semejan la tridimensionalidad y parecen salirse del espacio angosto donde estan colocadas.

Hercules o Heracles es el personaje virtuoso por antonomasia y uno de los heroes de la ciudad de Florencia en el quattrocento, por salir victorioso en los dosce trabajos que le encargo Euristeo.

El taller de los Pollaiuolo pinta en el ultimo tercio del siglo XV la tabla conocida como Hercules y Anteo,(hoy desgraciadamente es la unica de las tablas que el taller pinto sobre las hazanas del heroe) y muestra el momento en que Hercules va a despedazar al gigante Anteo.

Lo agarra fuertemente aprisionando al adversario y todos sus musculos parecen en tension (fig. 4). Vasari describe la escena en sus Vitae y dice que "es tan titanico el esfuerzo que sentimos sus dientes y que en el momento culminante los dedos de los pies se hinchan", esto se ajusta a la imagen en la que los pies parecen sujetarse al suelo por el esfuerzo, indicando el interes naciente en esos anos por los estudios de anatomia (pintores y escultores estudian la materia, siendo desde entonces su representacion mucho mas descriptiva, detallista y con cierto sentido del modelado).

[FIGURA 4 OMITIR]

Bernini (1598-1680) recibe un encargo del cardenal Borghese en el que tendria que representar a Apolo y Dafne. El tema habia sido representado hasta ahora muchas veces en la pintura pero no tanto en la escultura porque el momento de la persecucion o la transformacion de un ser humano en vegetal no se prestaban para reflejarse en una estatua. Pero el maestro barroco consiguio crear un grupo que parecia vivo.

Siguiendo las pautas generales del arte barroco y con el contraste entre los dos estados psicologicos de los protagonistas, Bernini logro lo imposible, llevar al marmol un pasaje literario y el momento de climax de la narracion que en su soneto XIII nos relato en el siglo XVI el poeta Garcilaso de la Vega:
   A Dafne ya los brazos le crecian / y en
   luengos ramos vueltos se mostraban;/ En
   verdes hojas vi que se tornaban/ los cabellos
   qu[acute accent]el oro escurecian;/ de aspera corteza se
   cubrian/ los tiernos miembros que aun
   bullendo [acute accent]staban; / los blancos pies en tierra
   se hincaban; / y en torcidas raices se
   volvian. / Aquel que fue la causa de tal
   dano, / a fuerza de llorar, crecer hacia / este
   arbol, que con lagrimas regaba. / ! Oh
   miserable estado, oh mal tamano,/ que con
   llorarla crezca cada dia/ la causa y la razon
   por que lloraba!.


A Jean-Honore Fragonard (1732- 1806) se le achaco que sus obras se excedian en sentimentalidad dulzona y cierta ligereza, aunque eso si, no exentas de delicadeza. Su pintura mas famosa Los alegres azares del columpio, (fig. 5) se convirtio en su obra maestra y mas celebre y el mejor ejemplo de lo que fue la pintura galante del rococo. El tema es aparentemente frivolo: Una joven se balancea en el columpio mientras es empujada por un muchacho y otro la observa.

El autor concentra la luz sobre el cuerpo de la mujer haciendo que nos sintamos atraidos por ella. Fragonard consiguio sin embargo con su sentido de la elegancia y del decoro salvar la obra de los peligros del tema erotico, calificado en ocasiones de indecente, pues se hizo asi siguiendo las indicaciones del comitente, el marques de Saint Julien que habia dicho al propio pintor: "Desearia que pintara a madame sobre un columpio empujado por un obispo. Usted me colocara a mi de manera que pueda ver las piernas de esta hermosa nina o algo mas si quiere animar su cuadro....". No solo el columpio y la muchacha centran el oleo sino que el pie desnudo y el elegante zapato de tacon que vuela se convierten aqui en simbolo erotico por excelencia.

Algo similar ocurrira anos despues con la Olimpia de E. Manet (1832-1883). Basada en las Venus yacentes de Tiziano, el precursor del Impresionismo opta aqui por pintar sobre un lecho un desnudo de mujer, que no obstante, no es una Venus ya que ciertos detalles como el mirar fijamente al espectador, el lazo en el cuello, la flor en el pelo, el brazalete y como no, los zapatos de tacon que calza, indican que no es una diosa. El necesitar acicalarse para mostrarse al espectador la convierte en una prostituta que calzada y adornada mira descaradamente al que la ve en su lecho.

La libertad guiando al pueblo de Eugene Delacroix (1798-1863). Cuadro alegorico de los acontecimientos del 27, 28 y 29 de julio de 1830. La alegoria femenina es la libertad que triunfa por encima de luchadores, heridos o muertos. El triunfo real sin embargo es el de la bandera tricolor que porta la libertad semidesnuda con el bonete rojo de los revolucionarios, representada con la iconografia de las diosas griegas, una mujer de constitucion fuerte que simboliza la victoria de la revolucion. De ahi su posicion en el cuadro, en el centro y mas elevada dejando a la vista uno de sus pies desnudos sobre los restos de la batalla convertida en el vertice de la piramide compositiva.

Courbet (1819-1877), principal representante del Realismo en Francia trataba de "hacer una obra viva" y cree encontrar la manera de lograrla en dos temas: la vida bohemia y la vida en el campo. Su trilogia sobre el campo la forman tres lienzos: Los picapedreros, El entierro y Regreso de la feria.

Una de sus obras mas conocidas sera Los picapedreros , que para la Francia de la epoca resulto revolucionaria por su concepcion novedosa. Es un retrato de los sin tierra, de los mas pobres, con una vida ciclica que empieza en el muchacho y acaba en el adulto sin lograr una salida, de ahi la composicion en base a un padre y un hijo de los que no vemos los rostros contra una pared. El ritmo ascendente del nino y el descendente del hombre muestra ese ciclo de sus vidas y los chanclos que ambos llevan en los pies sirven para identificar su colectivo social, es el calzado de los picapedreros, simbolo de su clase social baja.

[FIGURA 5 OMITIR]

CUANDO SE OMITEN O DESFIGURAN

Pero no solo la aparicion, postura o colocacion de los pies es importante para el significado de las obras de arte, el no verse, taparse o estar deformados tiene tambien su explicacion y valor iconografico:

Pieter Brueghel el Viejo (1525/30-1569) es un artista de la Europa del Norte que presenta en su obra ciertas similitudes con el Bosco. Moralista en ocasiones, huye de la ideologia y estilismo de la epoca y sabe utilizar con acierto la ironia o el humor. Esto se observa en Los lisiados (1568), la obra tiene varias interpretaciones: una de las mas conocidas es la que habla de una alusion politica. Los cinco lisiados podrian ser representantes de las distintas clases sociales, por los tocados de las cabezas se trataria de un rey, un obispo, un soldado, un burgues y un campesino. De ser asi se capta cierta ironia al captarlos como lisiados, pues la aparicion de un hombre de pies tullidos, amputados o deformes significa algo mas que una persona con los pies enfermos, es metafora de la enfermedad de espiritu (8) (fig.6).

[FIGURA 6 OMITIR]

De forma similar en la Parabola de los ciegos guiados por otro ciego, la iconografia hace alusion a un tema biblico: si un ciego guia a otro ciego, ambos caen en un hoyo. El dinamismo en la pieza se logra con la linea descendente que describe la trayectoria de los pies de los invidentes que empiezan a caer victimas de su propia necedad, ya que el vacilar de pies o tropezar equivale a flaquear de espiritu (9).

La Muerte de Seneca (fig. 7) de Pedro Pablo Rubens (1577-1640). Con Neron como emperador se acuso injustamente a Seneca de conspirador. Neron hizo llegar a su casa una orden para que se suicidara por medio de unos soldados. Seneca estaba cenando con su mujer y unos amigos y uno de ellos le ayudo a cortarse las venas, como la sangre fluia lentamente, bebio cicuta y finalmente los soldados arrastraron al moribundo a la sauna donde se asfixio. Representado como un anciano que permanece de pie en una tinaja, el filosofo esta desnudo y mira hacia arriba. Un joven en cuclillas a su derecha apunta algo y el hombre de su izquierda le corta las venas. Asi pinto Rubens la muerte del filosofo estoico. Como la sangre fluia lentamente al cortarse las venas bebio tambien cicuta al igual que habia hecho Socrates.

Normalmente al matarse cortandose las venas, los suicidas se tumbaban en una banera, Rubens en cambio pinta a Seneca de pie copiando una estatua clasica que asi lo representaba, y que tras su restauracion en el XVI se colocara con las piernas fragmentadas bajo las rodillas en una especie de pedestal. El pintor transforma el pedestal por una tinaja que oculta los pies del que va a morir por una razon: la posicion erguida simboliza la vida, la plena consciencia, Seneca no necesita yacer para morir (10) pero si oculta sus pies que habian sido el contacto con lo terrenal, pues la muerte o desaparicion de sus pies es el anuncio de su muerte terrenal.

En La leccion de anatomia (1632) Rembrandt pinta una imagen real, la autopsia realizada a un delincuente que ejecutaron en la horca. En aquel momento las autopsias seguian todo un ritual que duraba varios dias y asistian como espectadores ciertos burgueses, administradores municipales y colegas del medico que la llevaba a cabo. Aqui el autor trata de hacer un retrato colectivo del cadaver y ocho personas mas y compone el cuadro a base de la diagonal del cadaver que enlaza el primer plano con las caras de los asistentes. Contrasta el dinamismo y movimiento de los medicos y la evidente quietud del difunto, asi como la potente luz que coincide sobre el muerto y la oscuridad que lo rodea.

Rembrandt concibe la vida como una aproximacion a la muerte, y opta por el tenebrismo para hacer visible esta idea, echo mano de las sombras que solo afectan al rostro y pies del cadaver y deja el chorro de luz sobre el resto del cuerpo como recalcando la inmovilidad del difunto para hacer todavia mas perceptible el hecho de la muerte (11).

[FIGURA 7 OMITIR]

El valenciano Jose de Ribera, nacido en 1591, anos mas tarde da una vuelta de tuerca el tema de los lisiados al pintar en 1642 El patizambo, retrato de un nino de la calle que necesita muleta para andar por sus pies deformes pero sonrie al espectador y parece burlarse de su cojera al caminar llevando al hombro la muleta. En esta ocasion los pies lisiados le sirven a Ribera para ironizar sobre la teoria de los pies enfermos como metafora de enfermedad del alma y a la vez ennoblecer al muchacho de baja ralea.

Theodore Gericault (1791-1824), compone en 1819 La balsa de la Medusa. El tema esta basado en un hecho real, el naufragio de un barco gubernamental que llevaba colonos y soldados a Senegal. Gericault para el cuadro elige el momento en el que la tosca balsa de los naufragos suplica que los rescaten cuando avistan un barco a lo lejos. Compone el lienzo con una piramide inestable y dinamica reuniendo a las figuras en diferentes grupos: el inferior con los cadaveres, el siguiente con los moribundos que aun gritan en un ultimo intento de vida, el tercer grupo con los cuatro personajes del margen izquierdo junto a las velas y por ultimo sobre unos barriles las tres figuras que hacen gestos al barco y que llevan la imagen al climax. El cuadro en si es simbolo del sufrimiento humano. Llama la atencion el cadaver del primer plano totalmente desnudo pero con los pies tapados como intentando protegerlos ya que los pies son el contacto con lo terrenal, por tanto son lo primero en morir y el taparlos es una ultima tentativa de agarrarse a la vida (12).

CONCLUSIONES

No sabemos cuando empezo el lenguaje gestual o escrito, pero si que en una obra de arte todo tiene un significado, un valor, o unas connotaciones bien sean religiosas, sociales o politicas. Bien decia el impresionista Edgar Degas (1834-1917) que "un cuadro es algo que exige tanta picardia, astucia y supercheria como la perpetracion de un crimen (13)". No se equivocaba, pues cada uno de los detalles que componen las obras de arte estan muy estudiados, medidos y tienen un porque.

Son muchas las interpretaciones y significados que se le pueden dar al pie segun su posicion, su aparicion o no ... Como se ha visto, unas veces sirve para componer, otras para conocer a traves de ellos la personalidad del protagonista de la obra, otras ayudan entender su tematica, el zapato de tacon es siempre simbolo de feminidad y en ocasiones se vincula a la idea de mujer fatal o de vida "pecaminosa".... Y asi podriamos seguir con muchas obras mas, o ?alguien duda de que perderian su sentido las series de bailarinas de Degas ensayando o representando una danza si no aparecen sus pies?....

Seria impensable intentar que aparecieran todas en unas pocas paginas y el unico fin de este trabajo es dirigirse a todos aquellos que sientan curiosidad por el tema tratando de explicar de una forma "diferente" las ideas acerca de la belleza de varios artistas, su habilidad para pintar con mayor o menor correccion la anatomia de los pies, y el interes que estos tienen para el arte desde su aparicion, pues ya desde la Prehistoria, en la pinturas rupestres o en civilizaciones como la Maya se enfatizan posturas y flexiones del pie.

La razon final es que el de los pies es un lenguaje gestual mucho mas complejo que el de las manos y tambien una forma de senalar la naturaleza de las acciones del hombre o de sus emociones.

Fecha de recepcion: 2 de octubre 2007 Fecha de aceptacion: 20 de febrero 2008

BIBLIOGRAFIA

(1) VV.AA., Historia General del Arte. Pintura II. Ediciones del Prado, Madrid. 1995. P.5. Y, VASARI, G., Le Vite dei piu eccellenti pittori, scultori e architettori. Italia, 1550.

(2) NACAR-COLUNGA, Sagrada Biblia. Biblioteca de Autores Cristianos,Madrid, 1969. Cantar de los Cantares. Canto Quinto, 3.

(3) NACAR-COLUNGA, Sagrada Biblia, op.cit. Apocalipsis 6, 17.

(4) HAGEN, R.M. & RAINER, Los secretos de las obras de arte. Taschen. Colonia, 2005. Pp.110-115.

(5) HAGEN, R.M & RAINER, Los secretos de las obras ... op.cit. P.111

(6) NACAR-COLUNGA, Sagrada Biblia. Madrid, 1969.Judit 13, versiculo 15.

(7) NACAR-COLUNGA, Sagrada Biblia. Madrid, 1969.Daniel 13, 15-16.

(8) GENTIL, I., "Los pies en distintas culturas y cosmovisiones: los pies en la Biblia". El Peu, 2005 (1). P. 35.

(9) GENTIL, I., Idem, p. 35.

(10) HAGEN, R.M. & RAINER, Los secretos de las obras de arte. Taschen. Colonia, 2005. P. 318.

(11) HAGEN, R.M. & RAINER, Los secretos de las obras de arte. Taschen. Colonia, 2005. P. 355.

(12) GENTIL, I., "Los pies en las distintas culturas y cosmovisiones: los pies en la Biblia" publicado en El Peu, 2005, 25 (1). Pp.32-36 y "Los pies en distintas culturas y cosmovisiones: los pies en la Grecia clasica", publicado en El Peu, 2005, 25 (4), pp. 213-217.

(13) EXLEY, H., Para los amantes del arte. Edaf, Madrid, 1995. P. 45.

Ma Dolores VILLAVERDE SOLAR Profesora contratada doctora de Ha del Arte de la UDC

Correspondencia:

Ma Dolores Villaverde Solar.

Facultad de Humanidades. C/ Vazquez Cabrera, s/n.

Campus Universitario de Esteiro, 15403, FERROL (A CORUNA).

Los autores declaran no tener ningun tipo de interes economico o comercial.
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Author:Villaverde Solar, Ma. Dolores
Publication:Revista Internacional de Ciencias Podologicas
Date:Jan 1, 2008
Words:6889
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