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La Belleza en el arte actual y el publico.

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En una de las visitas que realice con mis alumnos de Art del Segle XX a las exposiciones que se hacen en Barcelona, concretamente una que hicimos en noviembre de 2009, visitamos una muestra colectiva comisariada por el pintor espanol Luis Gordillo, bajo el titulo de Cosmetica Dogmatica. Entre las obras seleccionadas pertenecientes a la coleccion de la Fundacio "la caixa" habia una del artista aleman Martin Kippemberger. Love Me and Leave Me and Let Me Be Lonely, (Amame y abandoname y dejame estar solo) 1989. En la sala donde estaba esta escultura habia otras obras como los lavabos de Robert Grover y una escultura de la artista gallega Angela de la Cruz formada por un hule doblado y pintado de amarillo.

La mayoria de mis alumnos por no decir todos coincidieron que la obra de Kippemberger no les decia nada. Cuando la guia que nos acompanaba les pregunto que les sugeria esta obra ninguno respondio. Los comentarios escritos que despues me entregaron los alumnos dejaron muy claro que no era solamente la obra de Kipemberger, sino una buena parte de las obras de los ultimos anos resultaban incomprensibles para la mayoria de ellos. Justificaban su opinion senalando que en la obra no habia ninguna de las caracteristicas que ellos asociaban con lo que habia de tener una obra de arte, equilibrio, armonia, una relacion entre la forma y el significado, conceptos y elementos asociados tradicionalmente a la belleza.

Dos anos despues aparecio una noticia en muchos diarios espanoles, "Una limpiadora destruye una obra de arte al querer limpiarla" Era una escultura del mencionado artista aleman titulada Cuando los tejados comiencen a gotear, la obra formaba parte de una exposicion en el museo Ostwall de Dortmund (Alemania). La mujer retiro la base de caucho que aguantaba la plancha de madera de la escultura porque las vio llenas de cal y decidio que habia que limpiarlas, porque nunca penso que ese material lleno de cal podria ser una obra de arte.

Situaciones como esta se han venido dando a lo largo del siglo XX con obras que no responden a los criterios establecidos por la historia del arte. Martin Kipenberger esta considerado por el MOMA como una de los artistas mas innovadores e influyentes de la segunda mitad del siglo. Pensando en esta valoracion y en su significacion, uno se pregunta por que el publico en general, o en el caso concreto unos estudiantes de historia del arte no valoran su trabajo, es mas algunos lo consideran como una burla.

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Estamos hablando de un artista que pertenece a la actual cultura visual, es decir es el arte que les pertenece, el arte de su momento. Sin embargo a pesar del bombardeo visual en que han crecido, el concepto de arte sigue siento el tradicional. Mi experiencia me ha ensenado que cuando no sabemos que opinar sobre una obra intentan encontrar elementos que se acerquen a su concepto de belleza, y al no encontrarlos la obra se vuelve completamente muda para ellos. No olvidemos que siempre se ha entiendo que el arte se ha de experimentar esteticamente y la asociacion estetica = belleza ha sido una constante.

Normalmente la belleza se entiende como algo cambiante y relativo a las distintas culturas y epocas. Por lo tanto ha de haber un concepto de belleza que corresponda al momento que vivimos. Pero hemos de tener claro que ese concepto poco o nada tiene que ver con el arte con el cual convivimos. Si esas obras a las que hecho mencion fuesen consideradas bellas aunque incomprensibles habrian gustado y se habrian interesado. Seguramente como nos dice Gadamer:

La idea de lo bello--desde Platon en adelante--implica atraccion de lo bello hacia si; exige y promueve la participacion y la integracion. Lo bello en tanto que acontecimiento incorpora a sus participantes, promueve su pertenencia inescindible. Pero, ademas, toda experiencia con lo bello o con la belleza participa de la inmediatez con que ella se manifiesta porque la idea de belleza no es distinta de su manifestacion, no es una esencia oculta detras de un fenomeno ni depende de un "metodo" que indique el modo de experimentarla. (47)

El espectador al no encontrar "belleza" en estas obras, no siente ninguna atraccion hacia ellas, no sabe como hacerlas suyas. Es una consecuencia de la gran distancia que el arte contemporaneo ha tenido en gran parte con el publico, que paradojicamente vive en una sociedad del todo estetizada como consecuencia de la expansion de las industrias audiovisuales massmediaticas y la iconizacion exhaustiva del mundo contemporaneo, ligada a la progresion de las industrias de la imagen, el diseno o la publicidad.

Aunque el concepto de belleza se ha ido diluyendo o ha ido perdiendo sentido progresivamente, para definir o entender el arte actual, mucha gente sigue identificando la belleza como un elemento intrinseco de la obra de arte.

Pero justamente el rechazo de la belleza, como tradicionalmente se ha entendido es una de las caracteristicas del arte contemporaneo. Hemos de tener en cuenta que esta situacion tiene ya una larga historia.

Artur Danto en El Abuso de la Belleza, nos habla del menosprecio al que la belleza habia sido objeto en diferentes episodios del siglo XX: es lo que Danto denomina el menosprecio o derogacion de la belleza por parte de la vanguardia, aquella que demostro que la belleza no era un componente necesario en la definicion artistica. Una situacion que como veremos cambiara a finales del siglo.

Apollinaire en su libro, Los pintores cubistas, meditaciones esteticas sobre la pintura, pintores nuevos, 1913, se manifesto en contra de hacer intervenir la belleza en el programa del arte. "El arte moderno suele rechazar la mayor parte de los medios que utilizaron para deleitar los grandes artistas del pasado. Si el objeto de la pintura ha de ser siempre lo que antano fue, a saber, el placer de los ojos, es preciso que el amateur encuentre en la pintura un placer diferente del que puede proporcionarle tambien el espectaculo de la naturaleza". (48)

Los cubistas con su rompimiento con la perspectiva tradicional y con la libertad en el uso de las proporciones humanas impusieron un nuevo canon, han estado los dadaistas y concretamente Marcel Duchamp quien es el referente mas importante en este sentido.

Marcel Duchamp y en esta misma linea mas cercana a nosotros Josep Beuys hicieron dos planteamientos que continuan dificultando enormemente la comprension de la obra de arte por parte del gran publico:

1. Cualquiera puede ser un artista

2. Cualquier cosa puede ser una obra de arte.

Obviamente nos tenemos que referir a la fuente primigenia, Marcel Duchamp, y su famoso urinario. (49) Con esta obra inicia uno de los mayores cambios que se han producido en la historia del arte. Es el inicio de los llamados Reddy-mades. Aqui se produce un hecho fundamental en el arte del siglo XX. Duchamp selecciona un objeto cualquiera, en este caso, un urinario, lo descontextualiza y lo presenta en un entorno artistico. Nace asi una nueva concepcion de la obra de arte a la vez que desacraliza la esencia del acto artistico, la creacion de la obra unica e irrepetible. Elimina la intervencion del artista, dandole la preeminencia al acto de seleccion a la preeminencia de la idea. Este hecho significa un cambio radical en la apreciacion y valoracion de la obra. Abre el camino que permite que cualquier cosa pueda convertirse en una obra de arte, al mismo tiempo que nos dice que una obra de arte no tiene que ser necesariamente bella o estar asociada a la belleza.

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Mateu Cabot en su libro Mas que palabras, Estetica en tiempos de cultura audiovisual, nos dice: Lo que esta haciendo en ese momento Marcel Duchamp y el dada en su conjunto es por la via de poner la obra en la nueva concepcion moderna la tesis del arte pre moderno.

De que las propiedades internas del objeto son las que definen que el objeto sea arte o no. Si surge la pregunta ?Que es arte? La respuesta premoderna descansaria en las propiedades esenciales e inherentes al objeto que se considera obra de arte. Las que se dan a partir de Duchamp, no se atienen a las propiedades fisicas, sensoriales del objeto, sino mas bien al lugar que ocupan en el entramado social. (50) Planteamiento similar al que nos senala Pierre Bordieu en sus Elementos de una teoria sociologica de la percepcion artistica, (51) cuando nos dice que las obras de arte son aquellos objetos que son designados socialmente como tales, por medio de entidades como el museo, quienes le otorgan al objeto un signo de consagracion.

Cualquier objeto puede establecerse como obra de arte, siempre que esta sea la intencion del artista, y por ende inducir la vision del espectador.

Por lo que se plantea la siguiente pregunta ?En que momento un objeto hecho por el hombre se vuelve obra de arte?

Da como ejemplo escribir una carta a un amigo, si la persona que esta escribiendo le presta mas atencion a la escritura, como por ejemplo escribir con linda letra la carta tiende a transformarse en una obra caligrafica, pero si la persona que escribe le presta mas atencion al lenguaje que va a emplear para escribir la carta se convierte en una obra literaria, todo va a depender segun con que intencionalidad se realice una accion, por lo que la linea que separa los objetos tecnicos de los esteticos es justamente la intencion.

Entonces, si la intencion es primordial esta ?de que depende? para que exista intencion, primero tiene que haber un conocimiento previo de normas y convenciones sociales.

La percepcion de la obra va a depender de la intencion del espectador, el espectador tiene incorporado normas convencionales que le permiten relacionar la obra de arte a una cierta situacion historica y social. Por este motivo la importancia de la educacion, ya que la percepcion "artistica" cambiara segun su nivel educacional.

Segun Bordieu, la obra de arte adquiere sentido solo para aquel que posee un codigo especifico para codificarla. La adquisicion de este codigo, de determinadas competencias esteticas, es el producto de los efectos acumulados de la transmision cultural asegurada por la familia y la escuela. Codificar es la manera de llevar a la practica las reglas de un juego, de un determinado campo. Es la forma de ver, de clasificar, de percibir. Es lo que Kerri Freedman llama el almacen, el archivo particular que cada uno de nosotros posee y que ponemos a prueba cada vez que nos enfrentamos a una obra de arte o en el mundo actual a la amplia cultura visual que caracteriza nuestro tiempo. (52)

Un caso que ejemplifica lo senalado anteriormente lo pone Mateo Cabot. Que es lo que pasa cuando estamos delante de obras que no nos dicen nada, sino que incluso no sabemos como mirar, que nos faltan palabras en nuestro vocabulario para hablar de ellas. Fue lo que paso con la obra Munch, Tarde en la calle de Karl Johann de 1892, una obra que fue incomprendida, mejor dicho directamente por no estar bien dibujada porque el cielo no se ajustaba a las normas prefijadas. En cambio hoy en dia nuestra percepcion es muy diferente, porque la vemos como uno de los antecedentes de la pintura expresionista caracterizada por reflejar el mundo interior, la problematica existencial, la soledad del hombre en el entorno urbano, etc.

En realidad muy poco ha cambiando la percepcion del arte en el momento en que es producido. El distanciamiento entre publico y obra de arte existia y sigue existiendo. La relacion entre la obra de arte y la belleza, sigue siendo un elemento determinante por parte del gran publico que carece de los instrumentos adecuados para acceder a el. Es una situacion que acaba solucionandose al paso del tiempo, como es el caso del ejemplo expuesto con la obra de Munch o con muchas otras a lo largo de la historia del arte.

Pero lo que le da un caracter particular a la situacion actual es su omnipresente presencia en todos los campos de la vida. La intimidad de las personas entendida como una obra de arte, la publicidad, el diseno, los espacios publicos, es lo que se ha dado en llamar la estatizacion de la vida. La vida privada, la degradacion de las ciudades, la soledad, la miseria, la represion, la sexualidad, los problemas raciales y de las minorias en general, la salud fisica y mental han sido y son tema de las obras de las ultimas decadas, clara evidencia de esta inocultable realidad. Pero esta situacion a su vez constituye una gran paradoja, mientras aparentemente el arte esta mas cercano que nunca a la realidad cotidiana, su incomprension se hace cada vez mayor.

Enrique Lynch nos habla del peso que tiene la publicidad en la concepcion que tenemos del arte actual y de nuestra idea de belleza. Hoy en dia todo puede ser objeto de tratamiento publicitario, convirtiendose en un genero que educa el gusto de los consumidores. Cita como ejemplo destacada las campanas de Benetton, que mezclan imagenes consideradas de gran belleza con otras muy truculentas, pero siempre trasmitiendo el mensaje subliminal de la marca que esta detras: el color. Es decir trasmitir la belleza del color que esta en todas partes, en las razas humanas, en la enfermedad. Su creador Oliverio Toscani se presenta como un artista de la comunicacion. (53)

Nos sigue importando la belleza, si, pero de diferente manera, Lynch nos dice que en clave ironica, ha dejado de ser un acto de contemplacion para convertirse en un juego. Cita como referente y como excelente ejemplo el ready-made de Marcel Duchamp. L.H.O.O.Q de 1919 ella a chaud au cou, ella tiene calor en el cuello, leida rapidamente en frances puede entenderse como ella tiene el culo caliente. Duchamp garabatea un ejemplo del arte bello. Es decir, el arte esta exclusivamente en la labor del artista.

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Las obras de arte tienen valor ya no por su manufactura y la busqueda constante de la belleza, ni por su calidad de objetos unicos (objetos fetiche), sino por su capacidad de materializar una critica de la cultura actual. No se trata solo de generar emociones o experiencias, sino de analizar que hacemos con ellas en el presente, que no es otra cosa que el momento en que construimos el futuro

Harald Szeemann nos ofrece otro planteamiento En el 2004 con motivo de la celebracion del Forum Universal de las Culturas celebrado en Barcelona, el desaparecido comisario e historiador suizo fue el encargado de comisariar una exposicion que el va denominar como una aventura intelectual, y que titulo La belleza del fracaso/ el fracaso de la belleza ... Despues del fracaso de las utopias, de las democracias devaluadas, de la globalizacion sin raices, este punto de partida parecia un principio prometedor y ademas lo veia como posible porque los artistas de hoy cultivan la critica de la historia y el presente.

Szeemann comienza su discurso describiendo las caracteristicas que normalmente se asocian a lo que consideramos bello como simetria de la forma, equilibrio de las partes. En resumen caracteristicas que permitieron la creacion de un canon que ha servido para determinar lo que es bello o no. Nos interesa cuando Szzemann nos habla como en la comunicacion artistica del S.XX destaco una estrategia de generacion de indiferencia: la compra de obras. El que compra no necesita entender nada, porque poseer una obra a traves de su valor dinerario quiere decir que no es necesario justificarse ante preguntas sobre la belleza, o la perfeccion ... Solo los coleccionistas ingenuos hacen publico en el acto de comprar lo que entienden por bello, perfecto, etc.

Szeemann expone que los artistas no se consideraban comprometidos con sus obras, ni el publico con su participacion en el acto creativo, ni los coleccionistas con sus decisiones de comprar o no comprar.

La diferencia estetica entre el concepto del artista y la apropiacion de la obra por parte del espectador se convierte en indiferencia hacia juicios como bello o feo, porque incluso el mal arte es arte en el mismo sentido que un mal sentimiento es un sentimiento. Esta indiferencia hacia juicios del tipo, esta obra es bella, aquella es fea hace posible el acto creativo de los observadores.

El paso de la estetica normativa a la no normativa, de las bellas artes a las artes que ya no son bellas, significa que la falsificacion y no se considera un acto delictivo sino una acto creativo. La obra solo se pude convertir en obra de arte si se declara una falsificacion. Asi pues las obras de la moderna estetica no normativa son falsificaciones de un concepto normativo del arte.

Pone el ejemplo de los urinarios de Duchamp, que son falsificaciones declaradas de lo que habian sido consideradas como esculturas. En el momento en que se declaran falsas obras de arte dejan de ser falsas, porque lo que se declara falso es verdaderamente falso y los creadores como Duchamp, Warhol o Kipemberger han puesto el acento en esta verdad de lo que se declara falso.

Actualmente se reclama a todo el mundo que participe de este juego intelectual. Cuando un paciente va al hospital ha de firmar su consentimiento con el tratamiento y el paciente no tiene ningun conocimiento de ello, pero lo ha de hacer. A los pacientes y a los consumidores no les queda otro remedio que la comunicacion sobre aquello que no comprenden con otros pacientes, consumidores o expertos.

La pluralidad del arte actual

Una caracteristica esencial del arte ultimo es su caracter plural, caracteristica que responde a la complejidad de la epoca que vivimos y a la gran diversidad multicultural, en un mundo que como apunta Omar Calabrese, podemos considerar aparentemente confuso, fragmentado e indescifrable. Esta confusion, esta fragmentacion tiene indiscutiblemente un reflejo en el arte de su periodo, que muy poco tiene que ver con los aspectos que tradicionalmente asociamos a la belleza, como son la armonia, la claridad, la transparencia, etc. No debemos olvidar que no existe un arte ahistorico. Por lo tanto tenemos que aceptar que la realidad a la que nos transporta el arte actual, conviven multiplicidades de formas de representacion, de formas de expresion. (54)

Fernando Sabater en su libro Las preguntas de La vida, tiene un texto muy clarificador a este respecto y que nos viene muy bien para comprender lo que estamos planteando.

Porque quiza lo que en arte puede ser llamado <<belleza>>--si es que admitimos que lo que pretende el arte es producir belleza a toda costa--tiene poco que ver en muchas ocasiones con el sentimiento de agrado o con la placidez de lo decorativo. El poeta Rainer Maria Rilke opinaba que la belleza <<es aquel grado de lo terrible que aun podemos soportar>>. La atraccion del arte no nos llega siempre como una suave caricia sino a menudo como un zarpazo. Alain, un pensador contemporaneo que escribio mucho sobre el proceso artistico, senala que <<lo bello no gusta ni disgusta sino que nos detiene>>. El primordial efecto estetico es fijar la atencion distraida que resbala sobre la superficie de las cosas, las formas, los sentimientos o los sonidos sin prestarles mas que una consideracion rutinaria. Segun este criterio, es realmente hermoso todo aquello en lo que no hay mas remedio que fijarse.

Mas que buscar nuestra complacencia o nuestro acuerdo, el arte reclama nuestra atencion. Y quedar atentos puede ser lo opuesto a dejarnos invadir por lo inmediatamente gratificante, como quien se introduce tras un largo dia de esfuerzos en un bano bien caliente. Mas bien lo contrario, si le damos la razon a otro pensador actual--Theodor W. Adorno--que en su Estetica sostiene que <<el logro estetico podria definirse como la capacidad de producir algun tipo de escalofrio, como si la piel de gallina fuese la primera imagen estetica>>. Nos estremece lo que no nos permite pasar de largo, lo que nos agarra, sujeta y zarandea: la evidencia de lo real, deslumbrante y atroz, que quiza nunca habiamos advertido antes en su pureza y desnudez implacables. Paradoja de la belleza, que a veces puede ser experimentada como beatitud y en otras ocasiones como escalofrio. (55)

Si Marcel Duchamp fue una figura fundamental en el tema que estamos tratando en la primera mitad del siglo XX, Josep Beuys lo podemos entender como su continuador. Para el artista y teorico aleman, cualquier persona podia convertirse en un artista. Todos estamos llamados a hacer arte, cada uno a su modo, en su lugar de trabajo, contribuyendo por medio de la creatividad a generar un nuevo orden social y esto implica un compromiso personal. El mismo tomo parte activa en politica en el movimiento ecologico aleman de los Verdes.

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Para Beuys, el arte era una posicion ante la vida. El arte tiene que originar una transformacion de la conciencia individual de cada uno y, por ultimo, una "transformacion no violenta" de la sociedad. (56)

La desacralizacion del arte iniciada por Duchamp fue ratificada por Beuys. De igual manera para Beuys lo importante en el arte no era su relacion con la belleza, sino su relacion con la libertad y la comunicacion. El fue un claro ejemplo de esa concepcion de la libertad. Experimento con todo tipo de materiales y con todas las categorias, pintura, escultura, performances, videoarte e instalaciones.

Expuso su obra en lugares inusuales, autopistas, calles, trenes, subterraneos, parques, etc., lo que le permitia tener un contacto directo con el publico. De igual manera muchas de sus obras no tenian caracter definitivo, sino que se caracterizaban por su caracter efimero contraviniendo una vez mas la concepcion tradicional del arte.

Un buen ejemplo de la produccion de Beuys lo constituye, Silla con grasa de 1963, que es considerada como una de las obras que mejor definen el arte despues de la segunda guerra mundial. En la generacion de una obra, la eleccion del material y su tamano era para Beuys fundamental, mas que el resultado final, un material no solo es vehiculo para las ideas, sino tambien protagonista y activador de percepciones en el espectador. Pero ademas le adjudica una dimension metaforica que es la que alienta la eleccion de la grada como materia fundamental de su creacion artistica. (57)

Reconciliacion con la belleza.

El interes por esta tematica dio pie a una importante exposicion presentada en el mes de mayo de 2004 en el Haus der Kunst (Casa del Arte) de Munich titulada Beauty Now que se habia presentado -entre octubre de 1999 y enero del 2000- en Washington, en el Hirshhorn Museum de la Smithsonian Institution. Con el titulo Regarding Beauty: A view of the late 20TH century. En ella se preguntaban: ?Existen estandares aceptados de la belleza, o que la belleza existe solamente en la mente? ?Es la belleza eterna, o una experiencia fugaz sujeta a la moda y a los gustos cambiantes? ?Se puede encontrar belleza en la fealdad? Es una problematica que ha sido planteada desde la epoca del romanticismo. A partir de esta epoca la belleza ya no estara asociada al arte, baste con citar las pinturas negras de Goya, o en el realismo por ejemplo la famosa obra de Courbet, El Entierro en Ornans que fue considerada el entierro de la pintura.

Los comisarios de esta muestra consideran que fue en los anos noventa cuando se dio una reconsideracion del arte en terminos de belleza. En la exposicion estaban representados 36 artistas con pinturas fotografias, escultura e instalaciones con el objetivo de mostrar sus relaciones con la belleza.

La exposicion se estructuro en dos areas: la primera basada en la exploracion de la idea clasica de la belleza y el cuerpo humano como portador de esta idea, la segunda explora la experiencia de lo sublime. Entre otros estaban representados Jannis Kounellis, Paolini Giulio, y Michelangelo Pistoletto, Imi Knoebel, Sigmar Polke, Ray Charles, Semmes Beverly, Cindy Sherman, Rosemarie Trockel, Andy Warhol, Matthew Barney, Mariko Mori, Yasumasa Morimura, Lorna Simpson, Louise Bourgeois, Marlene Dumas, Lucian Freud, Willem de Kooning, Pablo Picasso, Kiki Smith, Anish Kapoor, Yves Klein, Hiroshi Sugimoto, John Baldessari, Roy Lichtenstein, Ed Ruscha y Felix Gonzalez-Torres.

Como podemos ver un universo muy amplio, con artistas muy disimiles que cronologicamente comienza en los anos sesenta con el arte pop a los aristas actuales.

El peligro de exposiciones como esta es su fundamentacion, y su relacion con la idea y el concepto que de la belleza tienen la moda y la publicidad. Es la critica que hacia Eduard Beaucamp (Frankfurter Allgemeine Zeitung, 25-II-2000), "el arte actual se contenta con las imagenes, las fachadas, los envoltorios y las promesas de un entorno comercial. Para hacer saltar este mundo de imagenes baratas tendria que romper con todas las normas, como hizo en 1900"... Los artistas no ofrecen nuevas bellezas, sino imagenes de una belleza frecuentemente inquietante y ambivalente, tambien manipulada, clonada, dopada, y en parte corrupta", concluye Beaucamp. Esta belleza "se adhiere a la superficie, como si no hubiera nada detras. (58)

Es decir que si bien a partir del arte pop se inicio una recuperacion de la idea de belleza en el arte, es una recuperacion dominada por la comercialidad y la superficialidad, como si todo fuese una cuestion de marketing. Es decir crear un arte para agradar al publico, pero sin conseguir salvar la ruptura que se inicio a comienzos del siglo XX. Un planteamiento no del todo cierto, porque resulta muy dificil entender por poner un ejemplo, que la obra de Louise Bourgeois se pueda relacionar con el concepto de belleza y mas aun que caiga dentro de la superficialidad. Pero lo que nos interesa destacar es la preocupacion o el objetivo de esta exposicion en volver a asociar el arte con la belleza.

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El tema de la belleza en el arte tambien ha ocupado el pensamiento del filosofo Arthur Danto en los ultimos anos, tal como lo demuestra su libro El Abuso de la belleza, la estetica y el concepto del arte. En este tratado explica como se produjo en la historia del arte la reaccion contra la belleza a comienzos del siglo XX. Lo que nos interesa particularmente es su confirmacion de como esta situacion comenzo a cambiar en la ultima decada del siglo XX.

Danto identifica dos tipos de belleza, la externa y la interna, a el le interesa la internar, la que esta relacionada con el significado. Es decir cuando ademas de ser bella tiene algo que decir. Pero tambien nos habla de la importancia de la existencia de este concepto, porque para el imaginar un mundo sin belleza es como imaginar la vida sin bondad, un mundo en el que la vida humana no seria posible.

Danto pone un claro ejemplo una obra ubicada en Washington D.F. el Vietnam Veterans' Memorial (1982). La obra esta compuesta por dos muros triangulares en el que estan inscritos los nombres de 57.661 americanos muertos en la Guerra del Vietnam. Es su significado segun Danto, su relacion con la tragedia y con la memoria, lo que la convierte en bella.

Pero tambien tenemos ejemplos en el que el significado de la obra altera en sentido contrario nuestra percepcion. Es el caso de la obra En El aire de Teresa Margolles (1963 Culiacan, Sinaloa, Mexico). El espectador o el visitante entra en un espacio blanco en el que estan flotando pompas de jabon que con la luz y su brillo crean un ambiente especial. La ligereza de las pompas, su transparencia, dotan a este espacio de una belleza. Cuando el espectador se entera que esas pompas de jabon estan hechas con el jabon que utilizan en la morgue para lavar a los muertos, su percepcion cambia inmediatamente. La obra deja de ser bella, al conocer su significado, se produce una reaccion negativa por parte del receptor y la sensacion de asco, de repulio e incluso de miedo a contaminarse le domina y no le permite ver la belleza que minutos antes habia percibido. Es un efecto contrario al que nos senala Danto. En este caso el significado de la obra anula la idea de belleza.

Para finalizar podemos concluir:

1. Algo que todos sabemos, que la definicion de belleza es multiple, que corresponde a la cultura y al tiempo en que se vive.

2. La idea de belleza continua teniendo un peso muy importante en la vida diaria, que la relacion arte- belleza continua vigente.

3. Que a nivel de la teoria y de la historia del arte siempre podemos encontrar ejemplos en el que la belleza y la fealdad han alternado, sin menoscabo el valor artistico de la obra. Otra cosa es la percepcion que el espectador y el publico tiene de ella.

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Antonio Salcedo Miliani--Profesor de la Universidad Rovira y Virgili. Tarragona, Espana.

(47) http://www.jacquesderrida.com.ar/comentarios/gadamer_1.htm.

(48) Citado por LYNCH, Enrique, Sobre la belleza, Madrid, Anaya. 199, p. 89-90

(49) En diciembre de 2004 mas de 500 artistas eligieron "la fuente " de Marcel Duchamp comouna de las obra mas influyentes del arte del siglo XX, por delante de la Senoritas de Avignon de Picasso.. Logro el 64% de los votos y las Senoritas el 42. Los consultados sostienen que el urinario esta en el origen de buena parte del arte conceptual, que es el dominante en la actualidad. Dicen ademas, que, con esta obra, Duchamp inicio una autentica revolucion en el mundo de arte al demostrar con su orinal que cualquier objeto podia considerarse una obra de arte con tal de que el artista la situara en el contexto adecuado--una galeria o un museo- y la declarara como tal. Ademas, la obra ha sido interpretada de infinidad de maneras. Los consultados sostienen que el urinario esta en el origen de buena parte del arte conceptual, que es el dominante en la actualidad. Dicen ademas, que, con esta obra, Duchamp inicio una autentica revolucion en el mundo de arte al demostrar con su orinal que cualquier objeto podia considerarse una obra de arte con tal de que el artista la situara en el contexto adecuado--una galeria o un museo--y la declarara como tal. Ademas, la obra ha sido interpretada de infinidad de maneras. Agencia- El Pais, 2 de diciembre de 2004

(50) CABOT, Mateo, Mas que palabras: Estetica en tiempos de cultura audiovisual, Murcia CENDEAC, 2007, p.26

(51) AA.VV. Sociologia del Arte, Buenos Aires, Nueva Vision, 1977, p. 45-80

(52) FREEDMAN,, Kerry Ensenar la Cultura Visual. Curriculum, estetica y la vida social del arte. Barcelona, Octaedro, 2006

(53) LYNCH, Enrique. Sobre la belleza. Madrid, Anaya, 1999, p. 108

(54) CALABRESE, Omar La era neobrroca, Madrid, catedra. 1999 p. 12

(55) SVATER, Fernando, Las preguntas de la vida, Barcelona, Circulo de lectores, 199p, P. 73-74

(56) CIMAONO, Gabriel, Relectura de algunos textos de Josep Beuys a partir de los codigos Barthesianos. http://www.kaleidoscopio.com.ar/fs_files/user_img/Arte/Relectura%20de%20Beuys%20a%20partir%20de %20los%20c%C3%B3digos%20Barthesianos.pdf Consulta el 10 de octubre de 2012

(57) BERNAlDEZ SANCHIZ, Carmen, Josep Beuys, Hondarribia, 199 Nerea, p. 49

(58) Eduard Beaucamp citado por GARCIA PELEGRIN, Jose Maria, Una exposicion proclama el renacer de una nueva estetica en el arte El arte de fin de siglo quiere reconciliarse con la belleza. http://www.aceprensa.com/articles/print/id/1415/ consultado el 10 de octubre de 2013
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Author:Salcedo Miliani, Antonio
Publication:Revista Estetica
Article Type:Ensayo
Date:Jan 1, 2012
Words:5624
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