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Joanie Lemercier figures among the leading artists to emerge from the projection mapping movement of the mid-2000s. A founding member of the AntiVJ collective, the French creator initially focused on light installations that enhance the architectural features and spatial awareness of building facades. He later conceived stage designs for musical concerts at MUTEK and the 2012 Cultural Olympiad in London and more recently, exhibited works at the China Museum of Digital Art in Beijing. Now represented by Muriel Guepin Gallery in New York, Lemercier met with Oli Sorenson for an exclusive ETC MEDIA interview to share his thoughts on public art in the digital domain.

Oli Sorenson: Thanks Joanie for this meeting. So is it true that your creative approach to digital art originated in VJ performance?

Joanie Lemercier: My pleasure. Yes, I started doing visuals around 2004 for local club nights in Bristol (UK), which had a rich music scene. But I quickly felt the limitations of VJing on screens behind the DJ and realized that I could project on all the walls and the entire architecture of venues. Between 2006 and 2007, I discovered other VJs working in similar ways: Yannick Jacquet was using transparent materials to add depth do his projections, Romain Tardy was projecting onto paper sculptures, and Olivier Ratsi worked on multiple outputs. We were all fed up with boxed-in projections because we were looking all day at rectangular displays on laptops, phones, TVs, and cinema screens. Everything was stuck in a rectangle, so projection mapping allowed us to use any shape as a canvas, really. We joined forces and started doing projects under the collective name AntiVJ.

OS: Did you call yourselves AntiVJ to break away from the club scene and onto new creative grounds?

JL: We continued to VJ every weekend, go to festivals, and share ideas on sites like VJ Forums, so we were definitely still in the scene. But we also started more experimental projects. We came up with AntiVJ as a joke, to make it easier to explain that we were doing something other than loop-based VJ content on rectangular screens. We were aware of other artists, including Pablo Valbuena's augmented sculptures, Michael Naimark's dynamic video installations, and the black-and-white aesthetics of Raster-Noton, Ryoji Ikeda, and Alva Noto. So it seems we were part of a larger zeitgeist rather than innovators. But I guess we were there at just the right time when coding software and tweaking hardware were more accessible and affordable, and that explains why mapping became so popular.

OS: When you started to do architectural mapping projects about ten years ago, projection technologies were just calibrated for flat surfaces, right?

JL: Right. At the time, what really helped me was my training as a web designer. I was coding ActionScripts in Flash, so when I got stuck in conventional VJ software that had only limited calibration settings, I started using Flash to build my own tools to distort the video output and draw vectors directly onto the architecture of buildings. Also, working with other artists really helped me. Sharing ideas with them helped me to go further than the limitations of existing technologies.

OS: And how did you book your first contract? Was it difficult to convince municipalities to project images on public building facades?

JL: Not really. I think the Internet helped us overcome this problem. Between 2006 and 2008, I started a blog and posted recordings of really small projects in my bedroom, done with a cheap projector I got on eBay. I was also putting stuff on YouTube, which gave me an amazing exposure, and through this, we got our first commission. Our first project was with the Bristol City Council. They saw the YouTube clips and asked us to do something similar on the City Hall's 100-meterwide facade. Fortunately, the Council found all the equipment we needed, which we had absolutely no other way to access. With other commissions, the cities, festivals, and other cultural bodies would provide us with staff to work with. So the booking process was really easy because not many people were offering mapping projects yet. But after 2008, mapping became really popular, and ad agencies started having a go at it. They would actively seek out opportunities and offer complete event packages, and this is when we slowly lost interest in the format. We were seeing really random things like dolphins, Pac-Man games, and exploding brick walls, which had no connection with the architecture they were being projected on. When we started out, we would build storyboards, research the building's history, and develop an idea that was meaningful to the site's heritage. We were trying to craft meaningful pieces, but when mapping became trendy, the value of telling stories was completely overshadowed by agencies projecting Coca-Cola logos for 100,000 euros, when we would spend months to handcraft projects for not much money.

OS: Does this change also mark the period when you started working as a solo artist?

JL: Yes. Working within a group was exciting and fruitful for a time, but I guess we also reached certain limits. We were doing large projects in public spaces, which needed months of planning, a production team, a pre-production team, and a lot of expensive equipment. So many variables made it harder to focus on creative content. AntiVJ acted as an art collective and after a while, it was taking us a very long time to make common decisions and plan our artistic vision. I realized that I could develop my ideas on a much smaller scale and maybe even say more with this intimate format. As our careers evolved, we all felt that working as solo artists made more sense, although we still collaborate on one-off projects.

OS: Have you ever worked on long-term installations that needed to run for many years?

JL: I wish we could have done more but a few of years ago, AntiVJ produced a permanent project in Wroclaw (Poland) called O (Omicron) and directed by Romain Tardy and Thomas Vaquier. I worked on the technical support and some of the content. The project is still up and running in a huge concrete dome. Hopefully it will stay there for a few decades before the projector and media server stop working. But this project has already been seen by tens of thousands of people because it's part of a museum, and the show is open every day. One of the project's limitations is that it's difficult to keep track of because the people that commissioned us are no longer working at this institution.

OS: Did the experience you gained from this project help you work around some of the constraints associated with the brief lifespan of digital devices?

JL: I find this is a really exciting topic because I'm a bit of a geek myself. As a web developer and coder, I have assimilated an extensive knowledge base on software and computer environments, so it's easier for me to estimate how reliable a solution will be. I tend to work only with open-source software because I have no guarantee for how long proprietary software from private companies will be around. I went to a lot of talks on digital art conservation, and this is where I heard Ben Fino-Radin, who used to head MOMA's department of media conservation. He talked about emulation as our strongest strategy to maintaining applications. Not everything can be emulated, so right now I'm working with coding WebGL and JavaScript, which have been around for more than a decade. Because it's possible to emulate any version of any browser from the past, I know that web technologies should be fairly easy to run in ten, twenty or fifty years' time, since they are independent of any operating system or machine. I heard another talk yesterday at Art Brussels, in which dealers from top-selling commercial galleries like Pace talked about collecting digital art. It's funny because I thought I would learn a lot from these galleries, but I discovered that they have no clue about how to conserve digital art. Galleries are not going to teach artists about digital art conservation; we have to teach them how digital art can come into the art market and develop into lasting forms that will be part of art history.

OS: As you transitioned from creating installative performances to art objects, did you need to adjust the techniques and aesthetics of your practice?

JL: The adjustments I had to make had more to do with the art market than with the art world itself. I found that my ideas are absolutely compatible with the art world, and my vision is the same for large or small projections. But to be market-friendly and sell in a gallery, my art had to fit in a box. I didn't really change the essence of the work but only its shape and design. It's a bit weird because I needed to reassure collectors by offering something easy to store and set up. In terms of techniques and concepts, I didn't change anything. I just had to package my work like a product to make it collector-friendly. To be honest, it's an interesting exercise.

This interview was done by Oli Sorenson

Joanie Lemercier figure parmi les artistes de premier plan issus du mouvement de mapping des projections au milieu des annees 2000. Membre fondateur du collectif AntiVJ, cet artiste francais s'est initialement concentre sur des installations lumineuses qui ameliorent les caracteristiques architecturales et la conscience spatiale des facades. Il a ensuite cree des conceptions de scene pour des concerts musicaux a MUTEK, lors de l'Olympiade culturelle de Londres 2012 et, plus recemment, il a expose des oeuvres au Musee chinois de l'art numerique a Pekin. Maintenant represente par la Galerie Muriel Guepin a New York, Lemercier a accorde a Oli Sorenson une interview exclusive pour ETC MEDIA oo il partage ses reflexions sur l'art public et le numerique.

Oli Sorenson : Merci, Joanie, pour cette reunion. Alors, est-il vrai que votre approche creative de l'art numerique est originaire de la performance VJ ?

Joanie Lemercier : C'est un plaisir pour moi. Oui, j'ai commence a faire des animations visuelles vers 2004 pour les soirees de clubs locaux a Bristol (Royaume-Uni), qui avait une belle scene musicale. Mais j'ai rapidement percu les limites du VJing projete sur des ecrans derriere les DJ, et j'ai realise que je pouvais projeter des images sur tous les murs, couvrant toute l'architecture des sites. Entre 2006 et 2007, j'ai decouvert d'autres VJ travaillant de la meme maniere : Yannick Jacquet utilisait des materiaux transparents pour approfondir ses projections, Romain Tardy se projetait sur des sculptures en papier et Olivier Ratsi travaillait sur des formats multiples. Nous en avions tous assez des projections en boite, car nous passions deja nos journees a regarder les ecrans rectangulaires des ordinateurs portables, telephones, televiseurs et ecrans de cinema. Tout etait coince dans un rectangle, de sorte que le mapping video nous a permis d'utiliser n'importe quelle forme comme toile, vraiment. Nous avons uni nos forces et avons commence a monter des projets sous le nom collectif AntiVJ.

O.S. : Avez-vous choisi de vous appeler AntiVJ pour vous separer de la scene des clubs et investir de nouveaux espaces creatifs ?

J.L. : Nous avons continue a agir comme VJ; chaque week-end, nous allions a des festivals et partagions des idees sur des sites comme les forums VJ, donc nous faisions encore partie du mouvement. Mais nous avons egalement commence a nous interesser a de nouveaux projets experimentaux. Nous avons cree AntiVJ a la blague, afin d'expliquer plus simplement que nous faisions autre chose que le contenu VJ presente en boucle sur des ecrans rectangulaires. Nous connaissions d'autres artistes, comme Pablo Valbuena et ses sculptures augmentees, Michael Naimark et ses installations video dynamiques, sans oublier Raster-Noton, Ryoji Ikeda et Alva Noto, adeptes de l'esthetique noir et blanc. Il semble donc que nous etions dans la mouvance d'un esprit du temps plutot que des innovateurs au sens strict. Je suppose que nous etions surtout la au bon moment, puisque le logiciel de codage et le materiel de mise au point etaient plus accessibles et abordables, ce qui explique pourquoi le mappig est devenu si populaire.

O.S. : Lorsque vous avez commence a faire des projets de mapping lies a l'architecture, il y a environ dix ans, les technologies de projection etaient simplement calibrees pour des surfaces planes, n'est-ce pas ?

J.L. : En effet. a l'epoque, ce qui m'a vraiment aide, c'etait ma formation de concepteur de sites Web. Je codais ActionScripts dans Flash, alors quand je me suis retrouve coince dans le logiciel VJ conventionnel qui n'avait que des parametres d'etalonnage limites, j'ai commence a utiliser Flash pour creer mes propres outils, afin de manipuler la sortie video pour dessiner des vecteurs directement sur l'architecture des btiments. De plus, travailler avec d'autres artistes m'a vraiment aide. Le partage d'idees m'a permis de depasser les limites des technologies existantes.

O.S. : Et comment avez-vous obtenu votre premier contrat ? Fut-il difficile de convaincre les municipalites de projeter des images sur les facades publiques?

J.L. : Pas vraiment. Je pense que l'Internet nous a aides a surmonter ce probleme. Entre 2006 et 2008, j'ai commence un blogue en publiant des enregistrements de tres petits projets dans ma chambre, avec un projecteur bon marche que j'avais achete sur eBay. Je mettais egalement des trucs sur YouTube, ce qui m'a donne une visibilite incroyable, et grce a cela, nous avons obtenu notre premiere commande. Notre premier projet a ete realise avec le conseil municipal de Bristol. Ils ont vu les clips sur YouTube et nous ont demande de faire quelque chose de similaire sur la facade de la salle de of la ville, qui faisait 100 metres. Heureusement, le Conseil nous a fourni tout l'equipement dont nous avions besoin, et auquel nous n'aurions jamais pu avoir acces autrement. Dans d'autres cas, les villes, les festivals et d'autres organismes culturels nous ont fourni du personnel. Il etait facile de trouver q des contrats, car peu d'artistes avaient des projets de mapping. Mais apres 2008, le mapping est devenu tres populaire, et les agences publicitaires ont | commence a revendiquer leur part de ce marche. Elles rechercheraient activement les occasions d'affaires en offrant des forfaits d'evenements complets, et c'est a ce moment-la que nous avons perdu une part de notre interet pour ce mode d'expression. On nous presentait des choses vraiment aleatoires comme des dauphins, les jeux de Pac-Man ou des murs de briques qui explosaient, toutes choses qui n'avaient aucun lien avec l'architecture sur laquelle elles etaient projetees. Pour notre part, nous construisions des scenarios en images, nous faisions des recherches sur l'histoire du btiment et developpions une idee significative pour le patrimoine du site. Nous essayions de developper des pieces pertinentes, mais lorsque le mapping est devenu une tendance, la valeur des histoires racontees a ete completement eclipsee par les agences projetant des logos Coca-Cola pour 100 000 euros, alors que nous passions des mois a peaufiner des projets artisanaux qui nous rapportaient peu.

O.S. : Cette transformation coincide-t-elle avec la periode pendant laquelle vous avez commence a travailler comme artiste solo ?

J.L. : Oui. Travailler au sein d'un groupe etait passionnant et fructueux pour un temps, mais je suppose que nous avons egalement atteint certaines limites. Nous faisions de gros projets dans des espaces publics, qui necessitaient des mois de planification, une equipe de production, une equipe de preproduction et beaucoup d'equipements couteux. Avec tant de variables, il devenait plus difficile de se concentrer sur le contenu creatif. AntiVJ a agi comme un collectif d'art, mais prendre des decisions communes et planifier notre vision artistique est devenu plus complexe avec le temps. Je me suis rendu compte que je pourrais developper mes idees a une echelle beaucoup plus petite, et peut-etre meme en dire davantage avec ce format intime. a mesure que nos carrieres ont evolue, nous avons tous estime que travailler comme artistes solos avait plus de sens, bien que nous continuions a collaborer a des projets communs de maniere ponctuelle.

O.S. : Avez-vous deja travaille sur des installations a long terme qui doivent durer plusieurs annees ?

J.L. : J'aimerais en avoir fait plus, mais il y a quelques annees, AntiVJ a produit un projet permanent a Wroclaw (Pologne) appele O (Omicron) et realise par Romain Tardy et Thomas Vaquier. J'ai travaille sur le soutien technique et une partie du contenu. Le projet est heberge dans un immense dome en beton et il est toujours operationnel. J'espere qu'il y restera encore quelques decennies, jusqu'a ce que le projecteur et le serveur multimedia cessent de fonctionner. Cette installation a deja ete vue par des dizaines de milliers de personnes parce qu'elle fait partie d'un musee, et le spectacle est ouvert tous les jours. Une des limites du projet est qu'il est difficile de suivre son evolution, car les personnes qui nous ont permis de le realiser ne sont plus a l'emploi de cette institution.

O.S. : L'experience que vous avez acquise grce a ce projet vous aide-t-elle a contourner certaines des contraintes liees a la breve duree de vie des appareils numeriques ?

J.L. : Je trouve que c'est un sujet vraiment passionnant, car je suis maniaque de technologie. En tant que developpeur et programmeur Web, j'ai assimile une vaste base de connaissances sur les environnements logiciels et informatiques; il est donc facile pour moi d'evaluer la fiabilite d'une solution. J'ai tendance a travailler uniquement avec un logiciel libre et ouvert, car je n'ai aucune garantie quant a la duree des logiciels geres par des entreprises privees. J'ai participe a beaucoup de discussions sur la conservation numerique de l'art, ce qui m'a donne l'occasion d'aller ecouter Ben Fino-Radin, directeur de la conservation des medias au MOMA. Il a parle de l'emulation comme notre strategie la plus forte pour le maintien des applications. Tout ne peut etre imite, alors maintenant je travaille avec le codage WebGL et JavaScript, qui existent depuis plus d'une decennie. Parce qu'il est possible de simuler toute version de n'importe quel navigateur du passe, je sais que les technologies Web devraient etre assez faciles a executer dans dix, vingt ou cinquante ans, car elles sont independantes de tout systeme ou machine d'exploitation. J'ai assiste a un autre entretien hier a Art Brussels, oo les concessionnaires des galeries commerciales les plus en vue, comme Pace, ont parle de la collecte d'art numerique. C'est drole, parce que je pensais apprendre beaucoup de ces galeries, mais j'ai decouvert qu'elles n'ont aucune idee de la facon de conserver l'art numerique. Les galeries ne vont pas enseigner aux artistes la conservation numerique de l'art; nous devons leur apprendre comment l'art numerique peut entrer dans le marche de l'art et produire des formes durables qui feront partie de l'histoire de l'art.

O.S. : Lorsque vous etes passe de la creation de performances installatives a la creation d'objets d'art, avez-vous eu besoin d'ajuster les techniques et l'esthetique de votre pratique ?

J.L. : Les ajustements que j'ai du apporter avaient plus a voir avec le marche de l'art qu'avec le monde de l'art lui-meme. J'ai constate que mes idees sont resolument compatibles avec le monde de l'art, et ma vision est la meme pour les grandes ou petites projections. Pour etre commercialise et vendu dans une galerie, mon art devait pouvoir entrer dans une boite. Je n'ai pas vraiment change l'essence de mon travail, mais seulement sa forme et son design. C'est un peu bizarre, parce que je devais rassurer les collectionneurs en offrant quelque chose de facile a stocker et a configurer. En termes de techniques et de concepts, je n'ai rien change. J'ai du conditionner mon travail comme un produit pour le rendre convivial. Et a dire vrai, c'est un exercice interessant !

Entrevue realisee par Oli Sorenson

Legende: Joanie Lemercier, Silhouette

Legende: Joanie Lemercier, Chateau des Ducs de Bretagne, Nantes, 2010. Projections. Music by Thomas Vaquie.

Legende: Joanie Lemercier, Omicron, 2012. Installation mapping permanente.

Legende: Joanie Lemercier, Songdo, Coree du Sud, 2009. Performance audiovisuelle

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Author:Sorenson, Oli
Publication:ETC Media
Article Type:Interview
Date:Jun 15, 2017
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