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Introduction: pushing the limits/Introduction : repousser les limites.

Whenever I review an article submission to Theatre Research in Canada/Recherches theatrales au Canada, one of the first questions I ask is: Does this article push the limits of theatre and performance studies in an exciting, provocative, or challenging way? Does it open up a fresh approach to existing material, shed light on an overlooked subject, excavate new primary sources, employ innovative methodologies, or introduce a novel theoretical approach? In short, does the article do something different for the discipline and does this difference matter? I am pleased to say that all six of the articles gathered in this issue of TRIC/RTAC push the limits of theatre and performance studies scholarship in diverse and engaging ways. This pushing continues in the excellent Forum section edited by Adriana Disman, which explores four of the performance art pieces she curated as part of the LINK & PIN series in 2013-14.

Jennifer Wise and Lauren Jerke open the issue with "Liz Gorrie and the Kaleidoscope Alternative," a rich investigation of the work of artistic director Liz Gorrie (1942-2011), who founded the Kaleidoscope Theatre Company, a Theatre for Young Audiences in 1973. Through extensive archival research and interviews with those who knew and worked with Gorrie, Wise and Jerke make a strong case for situating Victoria-based Kaleidoscope within the broader narrative of Canada's alternative theatre movement. "Kaleidoscope was as politically and aesthetically radical in its objectives and practices as such better-known seventies companies such as Tarragon, Tamahnous, Passe Muraille, and Toronto Free Theatre," they write (8). Challenging assumptions about the geographic origins of the alternative theatre movement, as well as tendencies to relegate theatre for young audiences to the sidelines of theatre history, Wise and Jerke push persuasively at the limits of Canadian historiography.

Brian Batchelor examines a different kind of pushing in "'This Beer Festival Has a Theatre Problem!': The Evolution and Rebranding of the Edmonton International Fringe Theatre Festival." Here Batchelor looks at how corporate interests and branding imperatives have transformed the popular Edmonton Fringe over the past three decades. In particular, he considers how the expansion of the Fringe to include "two beer tents, a wine and Internet cafe, a KidsFringe recreation area, numerous outdoor stages, busker acts, and food and artisan vendors," not to mention "an eco-conscious carnival consisting of classic rides and arcade games" has affected its place within Edmonton's "arts ecology and urban imaginaries" (34). Drawing on a wealth of newspaper clippings as well as reflections on his own experiences working as a bar manager at the festival, Batchelor identifies the social and artistic effects of this branding by reading the Fringe's development alongside its efforts to "[brand] itself as theatrically and spatially different" (35).

Natalie Doonan also takes up the politics of eating and drinking at performance events in "Techniques of Making Public: The Sensorium Through Eating and Walking." In Doonan's case, however, the two SensoriuM performances at the centre of her study push at the limits of defining the relationship between humans and non-humans through participatory acts. As the founder of SensoriuM, a "participatory art platform in Montreal" (52), Doonan aims to rethink the way publics come into being and to present audiences with opportunities to explore the urban environments through unexpected encounters. To demonstrate SensoriuM's political potential, she analyzes Midsummer End Foraging Tour and Hunter, Gatherer, Purveyor, both of which "use food as a medium to [...] undo binaries of public/private, self/other, domestic/wild, depressed/revitalized" (54). Throughout the article, Doonan foregrounds the role of the curator-dramaturg in participatory public art projects, outlining an innovative model for collaborative performance creation.

Like Doonan, Naila Keleta-Mae stresses the relationship between the personal and the political. In "An Autoethnographic Reading of Djanet Sears's The Adventures of a Black Girl in Search of God," she interweaves her own experiences of Christianity, motherhood, and blackness with a close reading of Djanet Sears's powerful play, The Adventures of a Black Girl in Search of God, emphasizing "the explicit ways the scholar's topic of inquiry intersects with her/his/their personal lived experience" (77). Keleta-Mae's embrace of autoethnographic methodologies rejects more conventional modes of play analysis, which relegate the author to the background, in order to "push against the underrepresentation of Black cultural production in Canadian scholarship, as evidenced by the paucity of scholarly publications and conference programs on the topic" (76). Her work offers a dynamic testament to the need to question accepted norms in academic scholarship, with respect to both structure and content.

Helene Vosters also uses juxtaposition to stirring political effect in "Diamanda Galas and Amanda Todd: Performing Trauma's Sticky Connections." Reading performance artist Diamanda Galas's piece Defixiones alongside Amanda Todd's My Story, she challenges tendencies to contain trauma historically, geographically, and institutionally, insisting that such containment efforts dislocate trauma "from the larger affective economies through which it is produced and through which it circulates" (92). With great sensitivity, Vosters employs psychoanalytic theory, performance studies, memory studies, and queer and feminist studies to illustrate how the "power of Defixiones and My Story extends beyond their efficacy as performance events to their role as epistemological vehicles for the ongoing, and transnational, transmission of social memory related to traumas produced through violence" (92). The result is a poetically potent demonstration of performance's potential to transmit knowledge of trauma across boundaries of time and space.

Nuria Casado Gual pushes in a different direction in "Ambivalent Pathways of Progress and Decline: The Representation of Aging and Old Age in Joanna McClelland Glass's Drama," demonstrating the value of "age studies" to theatre scholarship. As Casado Gual notes, although scholars of early modern drama (especially Shakespeare) have contributed to a "thriving 'theatrical gerontology'," the work of contemporary dramatists, especially those from North America, has been largely overlooked (102). Casado Gual addresses this gap through a detailed analysis of the treatment of age in the plays of Joanna McClelland Glass, arguing that through the combination of narratives of "notions of progress and decline in the depiction of her aged characters" (109), Glass promotes an ambivalent view of aging that can be interpreted as realistic and dignified.

Curator/editor Adriana Disman pushes the limits of Canadian theatre and performance scholarship in thrilling ways in the Forum section "LINK & PIN," which features scholarly reflections by Kelsy Vivash, Niomi Ann Cherny, T. Nikki Cesare Schotzko, and Disman herself on four of the performance art pieces produced through LINK & PIN's 2013-14 residency at hub 14, a co-op studio in Toronto. This is the first time to my knowledge that TRIC/RTAC has profiled the work of performance artists in its Forum section and I am delighted to welcome such work to our pages. The Forum section concludes with a charming piece by Steven Bush (distinct from the LINK & PIN articles), which recounts his memories of working with George Luscombe, a theatre artist who knew a thing or two about pushing limits.

Finally, a bit of housekeeping. As you may have noticed, our masthead reflects a shift in the membership of our editorial board. Many thanks to the following outgoing editorial board members for their years of service to the journal: George Belliveau, Kym Bird, Reid Gilbert, Andre Loiselle, Roger Parent, Gregory J. Reid, Jonathan Rittenhouse, and Denis Salter. Speaking not just for myself but also for other members of the editorial team, past and present, we are extremely grateful for your commitment to TRIC/RTAC. I would also like to take this opportunity to welcome several new members to our editorial board: Sarah Bay-Cheng, Tracy C. Davis, Michael Greyeyes, Jen Harvie, Patrick Leroux, Michael McKinnie, Joanne Tompkins, Kailin Wright, and Harvey Young. Collectively, these new board members bring years of experience as scholars, editors, teachers, and administrators, and I look forward to working with them in the years to come.

Happy Spring everyone!

Quand j'evalue un article soumis a Recherches theatrales au Canada, je me pose toujours une serie de questions, dont celles-ci : la contribution repousse-t-elle les limites des etudes theatrales et des etudes de performance de facon nouvelle, interessante ou provocante? Nous permet-elle de voir sous un jour nouveau des materiaux que nous connaissons deja? Fait-elle la lumiere sur un sujet que nous avons neglige? Nous presente-t-elle de nouvelles sources primaires? Propose-t-elle une methodologie innovatrice, une nouvelle approche theorique? Bref, le texte offre-t-il a notre champ de recherche quelque chose de different et cette difference est-elle pertinente? Je me rejouis de pouvoir dire que les six articles rassembles dans ce numero de RTAC repoussent les limites des recherches en theatre et en performance, chacun a sa facon. Ce meme travail se poursuit dans l'excellent Forum prepare sous la direction d'Adriana Disman, lequel explore quatre prestations qu'elle a retenues pour la serie LINK & PIN en 2013-14.

Le premier article, << Liz Gorrie and the Kaleidoscope Alternative >>, signe par Jennifer Wise et Lauren Jerke, propose une enquete detaillee sur le travail de la directrice artistique Liz Gorrie (1942-2011), qui a fonde en 1973 la compagnie Kaleidoscope, un theatre pour jeune public. Au moyen de recherches detaillees dans les archives et d'entretiens avec des gens qui ont connu Gorrie et collabore avec elle, Wise et Jerke montrent de facon convaincante l'importance d'inscrire la compagnie Kaleidoscope de Victoria dans l'histoire plus vaste du theatre alternatif au Canada. Selon elles, << les visees et les pratiques de Kaleidoscope etaient aussi radicales sur les plans politique et esthetique que celles de compagnies mieux connues des annees 1970 telles que le Tarragon, le Tamahnous, Passe Muraille et le Toronto Free Theatre >> (8, traduction libre). En remettant en question nos suppositions sur les origines geographiques du theatre alternatif et notre tendance a releguer le theatre jeune public aux marges de l'histoire, Wise et Jerke repoussent les limites de l'historiographie canadienne.

Brian Batchelor met a l'epreuve un autre type de limites dans << "This Beer Festival Has a Theatre Problem!": The Evolution and Rebranding of the Edmonton International Fringe Theatre Festival >>. Dans cette etude, Batchelor analyse la facon dont les interets des grandes entreprises et les imperatifs lies aux images de marque ont transforme le Fringe d'Edmonton au cours des trois dernieres decennies. Il questionne plus particulierement la place qu'occupe le Fringe au sein de l'<< ecologie des arts et des imaginaires urbains >> de la ville (34, traduction libre) depuis l'ajout de << deux tentes ou l'on vend de la biere, un cybercafe bar a vin, une zone de jeux reservee aux enfants, diverses scenes exterieures, des amuseurs publics et des kiosques de nourriture et d'artisanats >>, sans oublier << un carnaval ecoresponsable avec maneges classiques et jeux d'arcade >> (34, traduction libre). En s'appuyant sur de nombreux articles de journaux et sur sa propre experience de gerant de bar au festival, Batchelor examine les effets sociaux et artistiques des images de marques dans le developpement du Fringe a la lumiere des efforts deployes par le festival pour << se [presenter] comme entite theatralement et spatialement differente >> (35, traduction libre).

Dans << Techniques of Making Public: The Sensorium Through Eating and Walking >>, Natalie Doonan se penche aussi sur les politiques associees a la consommation sur scene de nourriture et de boissons. Son etude porte sur deux performances du SensoriuM qui repoussent les limites du rapport entre humains et non-humains par leur recours a des actes de participation. Doonan, qui a fonde le SensoriuM, une << plateforme collective d'art participatif a Montreal >> (52), veut repenser la facon dont naissent les publics et offrir aux gens qui assistent aux representations de sa compagnie l'occasion d'explorer des environnements urbains au moyen de rencontres inattendues. Pour illustrer le potentiel politique du SensoriuM, Doonan analyse Midsummer End Foraging Tour et Hunter, Gatherer, Purveyor, deux performances qui << se servent de la nourriture comme medium pour [...] deconstruire une serie de binaires : public/prive, soi/autre, indigene/sauvage, en declin/revitalise >> (54, traduction libre). Tout au long de son article, Doonan met au premier plan le role du dramaturge-conservateur dans des projets d'art participatif et trace les grandes lignes d'un modele novateur pour la creation collective.

Tout comme Doonan, Naila Keleta-Mae met l'accent sur le rapport entre le personnel et le politique dans << An Autoethnographic Reading of Djanet Sears's The Adventures of a Black Girl in Search of God.>> En juxtaposant une lecture attentive de la piece de Djanet Sears The Adventures of a Black Girl in Search of God a sa propre experience du christianisme, de la maternite et de la negritude, Naila Keleta-Mae explique <<les facons dont le sujet d'enquete d'un chercheur recoupe les experiences qu'il ou elle a vecues >> (77, traduction libre). Par l'entremise de methodes autoethnographiques, elle rejette les modes plus conventionnels d'analyse du theatre qui releguent l'auteur a l'arriere-plan afin de contrer << la sous-representation de production culturelle issue de la communaute noire dans les ecrits des chercheurs canadiens, une lacune demontree par le peu de publications savantes et de colloques qui portent sur ce sujet >> (76). Le travail de Keleta-Mae est un temoignage dynamique de la necessite de toujours remettre en question les normes qui regissent la recherche universitaire, tant au niveau de la forme que du fond.

Helene Vosters se sert a son tour de juxtapositions pour produire un effet politique saisissant dans << Diamanda Galas and Amanda Todd: Performing Trauma's Sticky Connections >>. Cette derniere propose une lecture parallele des pieces Defixiones de l'artiste Diamanda Gala et My Story d'Amanda Todd qui remet en question notre tendance a circonscrire le traumatisme sur les plans historique, geographique et institutionnel; elle fait voir que de tels efforts visent a endiguer et a decaler le traumatisme par rapport aux << economies de l'affectivite par lesquelles il est produit et dans lesquelles il circule >> (92, traduction libre). Avec beaucoup de doigte, Vosters s'appuie sur des elements de la psychanalyse, des etudes sur la performance, des etudes sur la memoire, des etudes queer et des etudes feministes pour montrer comment << le pouvoir de Defixiones et de My Story va au-dela de l'efficacite de la representation et en fait des vehicules epistemologiques dans la transmission, a l'echelle transnationale, de la memoire sociale liee aux traumatismes issus d'actes violents >> (102, traduction libre). Le resultat est une demonstration poetique fort convaincante du potentiel de la performance dans la transmission des connaissances sur le traumatisme au-dela des frontieres temporelles et spatiales.

Dans << Ambivalent Pathways of Progress and Decline: The Representation of Aging and Old Age inJoanna McClelland Glass's Drama >>, Nuria Casado Gual repousse d'autres limites en montrant l'apport des etudes sur le vieillissement aux recherches theatrales. Comme le souligne Casado Gual, les specialistes du theatre de la Renaissance (de Shakespeare surtout) ont contribue au succes d'une << "gerontologie theatrale" en plein essor >>, mais les reuvres de dramaturges contemporains, surtout ceux d'Amerique du Nord, restent largement inexplorees (102). Casado Gual tente de palier a cette lacune en se livrant a une analyse detaillee de la mise en scene du vieillissement dans le theatre de Joanna McClelland Glass, faisant valoir qu'en reunissant des recits qui mettent de l'avant des << notions de progres et de declin >> dans la representation de ses personnages plus ages (109), Glass promeut une conception ambivalente du vieillissement qui peut etre percue comme empreinte de realiste et de dignite.

Dans la section Forum, la conservatrice et redactrice Adriana Disman repousse les limites du theatre canadien et des etudes de performance de maniere captivante dans le texte << LINK & PIN >>, ou l'on peut lire les reflexions des chercheurs Kelsy Vivash, Niomi Ann Cherny, T. Nikki Cesare Schotzko et Adriana Disman sur quatre prestations donnees dans le cadre de la residence d'artistes 2013-14 de LINK & PIN au studio co-op hub 14 de Toronto. C'est la premiere fois, a ma connaissance, que RTAC parle du travail d'artistes de scene dans sa section Forum, et je suis tres heureuse de voir que cela se produit dans ce numero. Le Forum se conclut avec un texte de Steven Bush qui partage avec nous quelques souvenirs de l'epoque ou il travaillait avec George Luscombe, un artiste de theatre qui savait repousser les limites.

Pour terminer, quelques renseignements d'ordre administratif. Vous avez pu remarquer que notre comite de redaction a evolue quelque peu recemment. Je tiens a remercier les membres sortants du comite de redaction pour leurs annees de service : George Belliveau, Kym Bird, Reid Gilbert, Andre Loiselle, Roger Parent, Gregory Reid, Jonathan Rittenhouse et Denis Salter. Au nom de tous les membres actuels et anciens de l'equipe de redaction, nous vous sommes extremement reconnaissants pour votre engagement a RTaC. J'aimerais profiter de cette occasion pour souhaiter la bienvenue aux collegues qui se joignent a notre comite de redaction : Sarah Bay-Cheng, Tracy C. Davis, Michael Greyeyes, Jen Harvie, Patrick Leroux, Michael McKinnie, Joanne Tompkins, Kailin Wright et Harvey Young. Ces nouveaux membres possedent plusieurs annees d'experience en tant que chercheurs, redacteurs, pedagogues et administrateurs et je suis ravie de pouvoir travailler avec eux dans les annees a venir.

Bon printemps a toutes et a tous!
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Title Annotation:INTRODUCTION
Author:Schweitzer, Marlis
Publication:Theatre Research in Canada
Article Type:Editorial
Date:Mar 22, 2015
Words:2788
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